Reconnaître un bon d'un mauvais tableau
Acheter un tableau doit être un PLAISIR et une expérience agréable. Mais pour BIEN
ACHETER son tableau il vous faut des CONNAISSANCES en art. Le but de cette
chronique est de vous préparer à négocier l'achat de votre prochain tableau. Vous vous
sentirez plus à l'aise en discutant avec le galeriste. Le monde de l'art est accessible à tous, il suffit d'acquérir quelques
connaissances de base avant de s'y aventurer.
APPRENDRE À DESSINER
Avant de prendre les pinceaux et de mettre de la couleur sur une toile , vous devez apprendre à construire un tableau . Il y a des règles à respecter , des fautes à ne pas commettre . Quand vous aurez maîtrisé les techniques qui suivent vous pourrez alors passer à la couleur , PAS AVANT ! . Comment parler si vous n'avez pas de vocabulaire , et bien en peinture c'est la même chose . Vous ne pourrez pas vous exprimer si vous n'avez pas les techniques correctes pour le faire . On ne s'improvise pas artiste peintre , cela se mérite . Alors ! à vos crayons !
Savoir dessiner est une chose , mais maîtriser la technique des couleurs est tout un défi . Il faut séparer ces deux disciplines . Le Dessin sert à construire un tableau , alors que la couleur l'harmonise et le fait vivre . C'est pour cela que certains peintres sont moins bons coloristes que d'autres . Les deux techniques sont complémentaires .
Liste des Chapitres : |
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| Les 3 Primaires | Les Complémentaires | Interaction entre les couleurs | Chaudes ou Froides | Action sur la perspective |
Le Cercle chromatique est complexe car il fait appel à la perception qu'a notre oeil . Il y a une infinité de couleurs ,
seules votre créativité et patience en sont les limites . Autrefois les peintres devaient
les fabriquer eux-mêmes . Aujourd'hui elles se vendent en tubes , alors pourquoi ne pas en profiter ? vive le progrès !
MAIS ! ( il y a toujours un MAIS , sinon ce serait trop facile ) pour réussir à équilibrer et harmoniser sa palette , l'artiste
doit savoir comment utiliser ses couleurs, comment les nuancer .
Il y a 3 couleurs de base dites primaires , le BLEU , ROUGE et JAUNE . Elles ne peuvent pas être obtenues par le mélange
d'autres couleurs . À partir de celles-ci le peintre peut tout faire.
Les impressionnistes ont découverts que chaque couleur primaire avait sa complémentaire . Une connaissance indispensable
pour harmoniser une palette . Notre oeil perçoit un cercle chromatique et envoie certaines informations à notre cerveau qui
décode les données reçues . Ainsi les couleurs primaires vont déclencher la perception de d'autres couleurs que l'on
qualifie de complémentaires .
Le ROUGE : sa complémentaire est le VERT
pour le BLEU : c'est l' ORANGE
pour le JAUNE : c'est le VIOLET .
Elles sont obtenues par le mélange de deux primaires .
Les couleurs tertiaires sont
obtenues en mélangeant une primaire avec sa secondaire complémentaire .
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Notre oeil en captant une couleur primaire va automatiquement être imprégné de sa couleur complémentaire . Je m'explique ! Si vous regardez quelques secondes le soleil ( jaune ) et qu'ensuite vous déplacez votre regard dans le ciel , vous percevrez automatiquement des points violets . Pour le bleu l'effet sera orangé et pour le rouge l'effet sera vert/cyan ( regardez une source de lumière rouge et ensuite déplacez votre regard ..que voyez-vous ? ) .
Des effets de couleurs parfois désastreux pour l'artiste qui ne sait pas les maîtriser car ! ( roulements de tambour ) la couleur primaire va salir la couleur voisine avec sa complémentaire ( un rouge va ajouter du vert/cyan sur un jaune voisin , donc le déformer et salir ). En conséquence le spectateur peut avoir une perception faussée du tableau . C'est pour cela que nous avons des préférences en couleurs . Chaque individu a une perception personnelle . L'artiste doit donc tenir compte de ces règles pour équilibrer et harmoniser sa palette . Par exemple s'il peint une campagne verte , il devra y mettre un élément rouge de préférence .
Sur cette photo vous voyez le rouge salir de sa complémentaire le bleu juste à coté . Le Jaune fait la même chose .
Les couleurs ont toutes une valeur chromatique . Certaines sont plus vives que d'autres , on dit alors qu'elles sont chaudes .
Elles ont un effet prononcé, plus facile à percevoir . Par contre les couleurs plus foncées et ternes ont moins d'effet sur
l'œil et sont perçues en second . Ce sont les couleurs froides . La différence entre elles est énorme car elles réagissent
différemment dans un tableau .
C'est capital à savoir : les couleurs chaudes rapprochent et les froides éloignent .
L'artiste va s'en servir pour créer des effets de perspectives comme éloigner un ciel ou une
montagne ou rapprocher d'autres éléments du tableau . Une seule erreur et c'est la faute qu'un connaisseur notera .
Voila une photo qui montre un dégradé de couleurs chaudes et froides .
Nous savons maintenant que les couleurs chaudes rapprochent et les froides éloignent . Que les Claires rapprochent
et que les foncées éloignent , Parfait MAIS ! ( il y a toujours un
MAIS ! je vous le répète , sinon ce serait trop facile !).
Je vous ai affiché , à nouveau , la photo des différentes
zones d'un tableau ( retenue , soutien , repos , centrale ) pour vous rafraîchir
un peu la mémoire si nécessaire .
Oups ! au centre ça va ! le clair rapproche , mais dans les zones de retenue et soutien au contraire il éloigne , il se passe
le phénomène inverse . Je vous l'avais bien dit que la couleur est complexe à manier et à
contrôler .
Amis ( amies ) peintres , C'est avec l'expérience que vous finirez par maîtriser
tout ça . Collectionneurs vous saurez maintenant reconnaître un bon d'un mauvais tableau .
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Vous connaissez les différents styles de peinture , ainsi que les différents médiums et encadrements . Nous passons à l'étape suivante . Pour les autres je vous invite à lire les premiers chapitres . Dans ce chapitre 4 nous allons apprendre à analyser techniquement un tableau . Je vous expliquerai les règles de base pour bien construire un tableau et cela se fait comme une maison , s'il est mal fait le tableau s'effondre . Il y a des fautes en peinture exactement comme en orthographe . Vous pourrez donc après ce chapitre déterminer si un tableau est bon ou mauvais .
Liste des Chapitres : |
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| 3 règles en dessin : Cube - Cylindre - Sphère |
Les points de fuite | Les différents plans | Les proportions |
| Le mouvement | Ombres et lumières | Le Format | Les Zones dans un tableau |
LES DIFFÉRENTES ZONES DANS UN TABLEAU
Voila une connaissance technique importante car c'est la dernière étape avant de comprendre le mécanisme des couleurs . Je me répète , un tableau se construit comme une maison , si le travail est mal fait , tout va s'écrouler et conclusion : le public va détester votre tableau . Quelque fois vous avez un coup de foudre pour un tableau , et bien inconsciemment votre cerveau l'a analysé et a réagi aux indications . Alors soyez attentif .
J'ai essayé de vous faire un dessin le plus simple possible . Vous constatez qu'il y a 4 zones :
Ce n'est pas une règle coulée dans béton , les bons artistes savent jongler avec ces techniques . Vous voila un expert si vous avez lu les premiers chapitres . La prochaine fois nous passons aux COULEURS .
LE BON FORMAT D' UNE TOILE :
C'est le sujet à peindre qui détermine le choix du format de la toile . Une erreur fréquente chez les artistes débutants est de vouloir peindre un sujet sur une toile au format qui ne convient pas .
Un pont , par exemple , se fait sur un format horizontal et un arbre sur un format vertical . Voici deux images pour illustrer mes propos .
 Le Bon Format vertical permet de peindre tout le sujet de bas en haut . |
 Voila un mauvais format , le clocher est coupé par manque de place . |
LES PROPORTIONS :
Voila une faute très simple et facile à détecter . Pourtant elle se retrouve très souvent chez les amateurs et dans les mauvais tableaux mis sur le marché . Une exception à noter : chez les peintres NAÏFS on retrouve souvent ce manque de proportions car ces artistes n'ont aucune connaissance des techniques du dessin et peignent spontanément .
Comme celui d'une horloge , le mécanisme des proportions est lié à tous les éléments d'un même tableau . Le peintre s'en sert pour créer un effet de réalisme mais aussi d'éloignement . Un objet éloigné parait toujours plus petit contrairement à un même objet tout proche . Voici une image simple qui vaut mille mots , afin d'illustrer mes propos . La MAISON et la VOITURE sont trop PETITES , par contre L' OISEAU , LA BOITE AUX LETTRES , le CHAT et les FLEURS sont trop GRANDS .
LES OMBRES :
Cette Technique est utilisée pour donner du volume aux objets que l'artiste veut peindre . En effet , tout corps est composé de matière d'une certaine densité . La lumière ( en général ) ne traverse pas ce corps et va créer des zones d'ombre ou de lumière . Je vous invite à prendre une pomme et à la mettre sur une table vers une source de lumière . Observer ce qui se passe et vous verrez plusieurs de ces zones d'ombre .Un coté ombragé de la pomme et une ombre sur la table .
Il y a 4 sortes d'ombre:
Modelée et Projetée : l'ombre modelée est sur la pomme . L'ombre projetée est sur la table |
Projetée et modulée :Le poteau en haut de l'escalier a sa propre ombre modelée mais son ombre projetée va épouser la forme de l'escalier et créer du relief et du mouvement. |
Ombre reflet : un poteau qui sort de l'eau . les ombres sont toutes là . Mais en plus l'image de l'objet se reflète créant un effet de profondeur . |
LES DIFFÉRENTS PLANS :
Cet technique du dessin sert à donner de la profondeur aux tableaux . Si vous regardez par la fenêtre , vous verrez que les choses ne sont pas du tout placées au même endroit et créent un effet d'éloignement . L'artiste doit utiliser cette technique pour créer à son tour cet effet de profondeur et d'éloignement . Voila 2 dessins , très simples , illustrant cette technique des Plans . Dans les parties du haut ,tout est sur le même plan . Dans les parties du bas , observez les différents plans pour un même dessin . Me faire un e-mail pour d'autres explications .
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LE MOUVEMENT :
La ligne droite , l'ennemi du peintre . Il est dit que la ligne droite est le plus court chemin ! En dessin et peinture c'est tout le contraire : c'est la ligne courbe qui mène directement à l'effet de mouvement . C'est l'effet technique le plus difficile à produire dans un tableau . La ligne droite tue un bon tableau en le rendant complètement immobile .
Voila des exemples en images pour expliquer tout ça :( une image vaut mille mots !):
 Voici 2 clôtures . Laquelle donne l'impression de bouger ? |
 Voila des lignes droites entrecroisées et 3 lignes courbes qui pourraient même donner l'impression d'un oiseau |
Voila 2 pianos . celui du haut est fait de lignes droites . J'ai exagéré les lignes de celui du bas pour amplifier l'effet de mouvement . |
THÉORIE DE PAUL CÉZANNE : CUBE - CYLINDRE - SPHÈRE .
Le très célèbre artiste Cézanne avait une théorie très juste : " dans la nature , tout n'est que ces trois formes géométriques . Si un artiste comprend cela il saura tout peindre " . En effet le cube c'est par exemple une maison , une auto . Le cylindre est par exemple un tronc d'arbre , un bras ou un poteau . Et la sphère est tout ce qui est rond . Je vous invite à vous pratiquer en dessinant une pomme , un livre ou une chandelle . Si vous réussissez à donner du volume à votre dessin , bravo ! vous pourrez mieux analyser un tableau .
 Le Cube - Théorie de Paul Cézanne |
 Le Cylindre - Théorie de Paul Cézanne |
 La Sphère - Théorie de Paul Cézanne |
LES POINTS DE FUITE
Pour donner une certaine perspective à un tableau , une certaine profondeur reflétant la réalité , le peintre utilise la technique du point de fuite afin de créer un effet d'éloignement vers un point à l'horizon tout au fond du tableau . Autrement l'image serait plate sans aucun effet de profondeur . Voici quelques dessins illustrant cette technique .
 Un point de fuite oblique . Les lignes convergent toutes vers un même point |
 Les lignes s'éloignent en réduisant l'espace entre elles jusqu'à l'infini petit |
 Une rue et des maisons , voila un bon exemple de perspective avec point de fuite . |
 Voila un exemple de perspective parfait . le point de fuite converge vers le fond central du tableau . Vous rentrez dans l'image comme pour y marcher |
Vous connaissez maintenant quels sont les médiums, supports et encadrements utilisés par les artistes et les galeries. Vous pouvez passer à cette étape, pour les autres je vous conseille de retourner aux étapes 1 et 2.
Dans ce nouveau chapitre nous traiterons des différents styles en peinture, et mes propos seront illustrés par des photos car une "image vaut mille mots".
C'est quoi un style en peinture: La musique a plusieurs genres comme le classique, le rock ou la valse. En peinture c'est la même chose. Il y en a plusieurs aussi nous traiterons du sujet en plusieurs étapes.
Liste des Chapitres : |
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| A- Le Figuratif | B- L' Impressionnisme | C- L' Expressionnisme | D- le surréalisme |
| E- Le Naïf | F- Le Cubisme | G- l' Abstrait |
Le FIGURATIF: Vous avez répondu "peindre les visages ! et bien c'est faux. C'est peindre fidèlement ce que l'on voit en respectant couleurs et formes. Le sujet est donc très facile à identifier car l'artiste se contente de reproduire une image de la réalité. Dans ce style les lignes du dessin sont prioritaires et l'artiste ne fait pas vraiment d'interprétation.
 R.Duguay |
 G.Courbet |
 Fantin Latour |
L' IMPRESSIONNISME: ce mouvement est né vers 1860. Les artistes se libèrent des règles académiques rigides et de l'influence religieuse. Ils sortent de leurs ateliers et découvrent les milles nuances des couleurs et la richesse des paysages. Ils cherchent à faire une interprétation personnelle de ce qu'ils voient. Ils vivent un instant en pleine nature et veulent nous transmettre ce qu'ils ressentent par la couleur. Il s'agit d'une petite révolution culturelle, l'art sort de la prison des ateliers. L'impressionnisme se libère des lignes du dessin. Ce sont les couleurs qui donnent forme aux éléments du tableau. L'image nous renvoie une impression du vécu. L'artiste ajoute sa touche personnelle, ses couleurs, sa sensibilité et son talent créateur. Les impressionnistes les plus connus sont Van Gogh, Pissaro, et Monet par exemple. Au Québec nous avons eu un grand maître en la personne de M.A DE FOY SUZOR COTÉ.
 Van Gogh |
 C. Monet |
 C. Monet |
L' EXPRESSIONNISME:
C'est le contraire de l'impressionnisme. C'est le tableau qui va nous interpeller et projeter un message ou une émotion. L'artiste se sert d'images fortes, brutales et explicites. Il utilise aussi des couleurs vives pour en augmenter l'effet dramatique. Un mouvement né vers 1900 dans une Allemagne pessimiste en plein bouleversement. La censure ayant interdit ce genre de tableaux.
Ce style est la suite logique de l'évolution de l'art. Étroitement lié aux mouvements de notre société, l'art n'en est que le reflet.
Les artistes sont passé du style figuratif discipliné, à la libre interprétation de l'impressionnisme, puis à une émancipation, une liberté de penser qu'est l'expressionnisme. Un style qui annonce l'avenue de l'art abstrait.
Les expressionnistes les plus connus sont: E. Munch - W. Kandinsky - C. Soutine - G. Rouault.
 C. Soutine |
 G. Rouault |
 A. Modigliani |
LE SURRÉALISME:
Un Mouvement artistique né en 1924 avec le "Manifeste signé par André Breton(1896-1966)". Les théories psychanalytiques de Sigmund FREUD influencèrent les artistes à explorer le subconscient irrationnel. Ils utilisent des images du réel en les plaçant dans un contexte imaginaire..
Par exemple: Une maison sur un nuage, des personnages ou un cheval qui volent, voulant ainsi prouver le fonctionnement réel de la pensée, Du subconscient qui s'exprime malgré les barrières de la raison. C'est le mécanisme des rêves, une source d'inspiration pour un artiste créateur cherchant à justifier de nos comportements puisque les rêves peuvent être interprétés et être liés à notre moi intérieur.
Nous avons un subconscient qui gère notre raison et c'est ce que veulent explorer les artistes du surréalisme.
Les peintres les plus connus de ce mouvement sont: MIRO(1893-1983)- DALI(1904-1989)- MAGRITTE(1898-1967).
 J. Mirô |
 S. Dali |
 R. Magritte |
LE STYLE NAÏF :
Une définition précise du style naïf n'est pas chose facile. Les premiers mots qui me viennent à l'esprit sont " peinture d'enfant ". En effet , demandez à votre enfant ou votre petit-fils de vous dessiner ou peindre les choses importantes pour eux. Vous aurez aussitôt la réponse.
Les vrais peintres classés comme naïfs ont un besoin naturel de s'exprimer grâce aux dessins et aux couleurs , mais ils n'ont aucunes connaissances en technique de l'art , et d'ailleurs ils n'en veulent pas et ne les comprennent pas.
Comme des enfants qui découvrent le monde , ces artistes vont peindre ce qu'ils voient , à travers leurs yeux d'enfant , sans respecter la réalité logique des adultes , sans tenir compte des règles savantes de l'art . Ils vont symboliser ce qui est important pour eux avec une grande sensibilité .
Le premier peintre naïf reconnu fût Henri ROUSSEAU ( 1844 - 1910 ). Un style de peintre officialisé vers 1900 à Paris.
Au Québec , Les Naïfs les plus connus sont : NÉRÉE DEGRÂCE , ARTHUR VILLENEUVE , MARCEL DARGIS .
 H. ROUSSEAU |
 H. ROUSSEAU |
 H. ROUSSEAU |
LE CUBISME :
Un style de peinture né vers 1904 et qui disparaîtra vers 1925 . Il aura eu pour mérite d'ouvrir la voie à la peinture abstraite que nous connaissons aujourd'hui . Pablo Picasso et Georges Braque en sont les inventeurs . La technique est de vouloir représenter sur une même toile les deux faces d'un même sujet , le coté visible et le coté caché . En effet il y a toujours un coté d'un objet que nous ne pouvons pas voir à cause de sa masse . L'artiste éclate le sujet en morceaux pour le reconstituer ensuite à sa manière . La lumière aussi va être brisée en fragments multicolores . Les penseurs de l'époque voyaient en ce style une manifestation du divin , puisque l'artiste se prenait pour Dieu en refaisant l'univers . Je crois que ceux-la avaient bu un peu trop d'absinthe frelatée . Ce style a également influencé l'architecture , la sculpture et l'art décoratif .
 Sur ce tableau de Picasso vous voyez les deux faces du visage |
 Dabs ce tableau de Georges Braque , le violon et tout ce qui l'entoure a été brisé en morceaux . |
 Dans ce tableau signé Picasso , l'artiste a déformé le sujet pour représenter le visage au complet . |
LE STYLE ABSTRAIT :
Définition littéraire : ce qui est privé de réalité concrète .
Définition de l'art abstrait : qui ne cherche pas à représenter la réalité tangible .
L'art abstrait a émergé vers 1910 alors que le monde passait vraiment à l'ère moderne . Les inventions comme les esprits étaient en pleine ébullition , à la recherche du nouveau . Les premiers artistes à présenter des oeuvres abstraites sont par exemple Kandinsky (1866-1944), Kupka (1871- 1957 ) et Delaunay (1885- 1941) .
Pour en arriver à cette forme de liberté d'expression , les artistes sont passé par diverses étapes : Le figuratif , l'impressionnisme , et finalement l'expressionnisme .( je vous invite à lire mes premiers chapitres . ) Notre société est devenue plus libérale , la peinture aussi , mais non sans heurt et petite révolution . Pensons au manifeste d'André Breton ( 1896 - 1966 ) en 1924 et à celui du refus global en 1948 à Montréal signé par Paul Émile Borduas et plusieurs autres . Ils ont revendiqué le droit à la liberté d'expression .
 Giacomo Balla ( 1871 - 1958 ) |
 Enrico Prampolini ( 1894 - 1956 ) |
 Gerardo Dottori ( 1888 - 1977 ) |
Dans le premier chapitre nous avons surtout traité des encadrements et des médiums. Pour en finir avec ce sujet des médiums, nous allons dans ce second chapitre, parler de leur composition chimique sans trop entrer dans les détails, car il n'est pas important d'en connaître les composantes. Un survol général suffira amplement.
Liste des Chapitres : |
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| Différence entre médium Huile et Acrylique? | Différence entre Aquarelle et Pastel? | Qu'est ce qu'un Vernis? | Citez deux outils d'un artiste? |
Vous devez certainement en savoir un peu sur le sujet si vous avez déjà visité quelques galeries. Ces petites connaissances vous permettront d'observer les tableaux d'un autre oeil.
HUILE: C'est un médium à base de pigments minéraux comme le zinc ou le titane. Ces pigments sont mélangés à un liant pour donner une pâte qui se diluera avec de la térébenthine ou de l'huile de lin. Sur la toile, l'huile aura une texture, même du relief, ce qui vous permettra de la reconnaître très facilement.
ACRYLIQUE: Une peinture à base de polymère qui se dilue à l'eau et sèche très rapidement, ce qui est un avantage formidable pour les artistes car il devient alors possible de superposer les couleurs. Sa texture sur le toile est souvent lisse, donc reconnaissable par rapport à l'huile.
AQUARELLE: Un médium composé de pigment naturels et végétaux, lié par des additifs naturels comme la gomme d'arabique. Elle se travaille avec de l'eau qui sert de réactif et est indispensable pour sa dissolution sur un papier sans acide.
PASTEL: Un médium très ancien, composé de pigments minéraux ou végétaux, présenté sous forme de bâtonnets et lié par de la craie ou du plâtre. Il est utilisé par frottement sur le papier. Il y a deux sortes de pastel, nommé "à l'huile" et l'autre "pastel sec", ce dernier étant en fine poussière sur le papier et très fragile.
VERNIS: Il s'agit d'une pellicule luisante appliquée sur la peinture pour en rehausser l'éclat des couleurs. Le tableau est alors plus lustré et brillant. Mais attention, car un mauvais vernis pourra craquer ou jaunir avec le temps.
OUTILS: En règle générale l'artiste utilise principalement des pinceaux et des spatules ou couteaux. Si vous vous collez le nez sur la toile, vous observerez les petites lignes des poils du pinceau, par contre avec la spatule il s'agit de grands coups appliqués avec beaucoup de peinture.
Voila, c'est terminé pour les médiums. Vous serez en mesure de faire la différence entre eux. Faites l'exercice quand vous irez dans une galerie.
Je vous propose une série de questions concernant les encadrements et les différents médiums utilisés par les artistes et les galeries . Essayez d'y répondre .
STOP. Ne trichez pas. Essayez de répondre par vous-même avant de vous jeter sur les réponses. il est vrai que nous avons tous soif de connaissance, mais quand même, un peu de retenue.
Voici 3 photos pour illustrer les réponses. Dans l'ordre: A - encadrement sous vitre avec passe partout. B - encadrement avec moulure et marie louise en lin. C - un modèle d'encadrement flottant, notez ici l'espace entre la toile et la moulure.
A- sous vitre avec passe partout |
B - Avec marie louise en lin |
C - Encadrement flottant |
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